Ils ne sont pas si nombreux, les artistes à avoir fait l’objet de trois articles sur Bonnes Notes.
Low en fait partie, et c’est avec tristesse qu’on lui en consacre un quatrième et probablement dernier : Mimi Parker, cofondatrice, chanteuse et batteuse du groupe, s’est éteinte hier à 54 ans au terme d’un combat de deux ans contre le cancer.
Low était un trio de Duluth (Minnesota) composé du couple de mormons formé par Alan Sparhawk et Mimi Parker, et complété d’une succession de bassistes au fil des presque 30 ans de carrière du groupe.
Alan Sparhawk était à son corps défendant l’inventeur du slowcore, un style musical dont Low était un des seuls représentants, un rock depouillé et ralenti à l’extrême. Qui avait la patience de laisser venir à lui leurs notes parcimonieuses était récompensé par des moments de grâce suspendus.
Après plus de 20 ans de carrière et un virage vers des titres un peu plus lumineux, Low s’était reinventé dans des expérimentations électroniques aussi audacieuses que passionnantes. Bien que radicalement différent de leurs précieux premiers opus, on avait particulièrement aimé leur avant-dernier album Double negative, le dernier sorti avant que la maladie ne se déclare.
Pour accompagner Mimi Parker dans son sommeil malheureusement définitif, réécoutons la chanter la Lullaby extraite du premier album de Low We could live in hope et emblématique des débuts radicaux du groupe :
Oliver Sim est le chanteur et bassiste de The XX. Il sort son premier album solo Hideous bastard, qui débute avec la chanson Hideous. Ce qui ressort d’emblée à l’écoute de ce titre, c’est que The XX, qui comporte également une chanteuse, n’avait pas forcément permis de révéler la facette crooner d’Oliver Sim qui sied très bien à sa voix.
La profondeur de son timbre est donc une première bonne raison d’écouter cette chanson. La deuxième bonne raison est qu’elle est l’occasion de réentendre une autre grande voix, cette fois resurgie du passé et aux antipodes d’un point de vue tessiture, puisqu’Oliver Sim y partage (trop brièvement et après 3’12 » d’attente) le micro avec Jimmy Somerville : mais si, souvenez-vous, dans les années 80, « run away turn away run away turn away run away », et « tell me whyyyyyyyyyyyyyyyyy »).
Bref, un titre qui s’avère être tout sauf hideous…
Le musicien allemand Christian Löffler produit depuis une décennie une musique électronique plus posée et introspective que dancefloor. Les amateurs de Bonobo, Pantha du Prince ou Rone devraient apprécier les compositions peut-être un brin plus mélancoliques de cet artiste également peintre et photographe.
La sortie de cette vidéo d’un live à Londres est l’occasion de donner un aperçu de sa musique.
C’était il y a 10 ans déjà, presque jour pour jour, qu’on avait parlé sur ces pages de Crystal Castles, groupe canadien electropunk (faute d’un meilleur terme, et au moins par le look de sa chanteuse) au son immédiatement reconnaissable. Après avoir été saisi par les deux premiers albums de la formation, on avait un peu perdu de vue le duo formé par Ethan Kath et Alice Glass. Et pour cause : après un troisième album qui n’apportait pas de grande nouveauté, les deux protagonistes s’étaient eux-mêmes perdus de vue, Alice Glass s’étant retirée du projet. Après l’avoir rapidement remplacée par une autre chanteuse (changement à peine audible tant un des marqueurs du groupe est de déformer la voix à outrance), Kath avait continué d’exploiter le nom Crystal Castles le temps d’un quatrième album Amnesty, avant de disparaitre subitement du paysage. La raison : des accusations d’abus sexuel, physique et psychologique portées contre lui par Glass et qui auraient duré depuis leur rencontre (alors qu’elle avait 15 ans et lui 25) jusqu’à son départ du groupe, justement présenté comme un moyen de s’y soustraire.
La sortie d’un album solo d’Alice Glass est donc une surprise inespérée émanant d’un passé qu’on croyait révolu.
A quoi ressemble la musique d’Alice Glass lorsqu’elle en fait seule? A du Crystal Castles en un peu plus soft. Si on y retrouve l’ADN musical de son ancienne formation, une partie des titres sont moins jusqu’au boutistes. Les arrangements sont moins torturés, la voix moins traitée, donnant un tout presque plus pop, toutes proportions gardées.
L’album est intitulé Prey // IV. Sachant que les 3 albums auxquels elle a participé au sein de Crystal Castles s’appelaient Crystal Castles, II, et III, difficile de ne pas interpréter le titre de son album solo comme une référence à sa vie antérieure (personnelle et musicale) et une revendication de représenter la continuité du projet après l’explosion du duo, tout en en rappelant la cause.
Et force est de constater qu’avec sa voix saturée et ses riffs de synthé old school, un titre comme The hunted nous rappelle le bon vieux temps des titres puissants du Crystal Castles d’il y a 10 ans. On en redemande.
Habiles utilisateurs des premiers synthétiseurs numériques (Fairlight, DX7…), mélodistes doués et bons chanteurs aux voix complémentaires, les Tears for Fears ont écrit quelques-un des plus gros tubes du milieu des années 80, Shout se rangeant au côtés des Such a shame de Talk Talk, Relax de Frankie Goes To Hollywood ou encore Smalltown boy de Bronski beat.
Après quelques virages stylistiques, un succès déclinant, un éclatement (puis une réconciliation) du groupe, ils étaient un peu sortis des radars depuis le milieu des années 90.
A l’aube de la soixantaine, Roland Orzabal et Curt Smith sont de retour avec un nouvel album. Si certains sons renvoient à une époque révolue, Tears for fears a quand même su un peu actualiser son style. Mais alors qu’un album tel que Songs from the big chair avait fait souffler un vent de nouveauté sur le paysage sonique de l’époque, il ne faut rien espérer d’inouï à l’écoute de The tipping point. C’est certes le cas de nombreuses productions, mais la barre est forcément placée plus haut quand on a commis un des albums pop majeurs des « mid-eighties ». Il n’en reste pas moins que le duo n’a perdu ni sa voix ni son sens de la mélodie, et c’est déjà bien suffisant pour rendre un titre tel que le single The tipping point, qui donne son nom à l’album, efficace et plaisant à écouter.
Étonnant personnage que Sevdaliza, tout en contrastes. Néerlandaise et iranienne, sportive et polyglotte de haut niveau (ancienne internationale de basket parlant couramment 5 langues), parcours universitaire (titulaire d’un master) et chanteuse/autrice/compositrice/productrice/réalisatrice autodidacte, physique à la fois masculin (grande, sourcils épais, nez saillant, mâchoire carrée) jouant parfois l’hyper-féminité (voix suave, chevelure jusqu’aux hanches, robes sexy et talons hauts -cf concert en bas de l’article-) tout en ayant une propension à maltraiter son apparence dans ses clips (androïde bardée de tubes dans le… tubesque Everything is everything,
femme-jument dans Human…),
et sur ses pochettes d’albums (œil au beurre noir sur la pochette de Shabrang, avatar exagérément retouché selon les canons des bimbos de télé-réalité sur celle de Raving dahlia)
Raving dahlia, justement : après deux albums et quelques EPs, Sevdaliza revient ce nouvel EP qui compte 6 titres. Musicalement, on cherchera les influences de cette diva tendance électro-pop du côté du Bristol des années 90 (Portishead, Massive Attack…) mais aussi de James Blake, voire de Björk… voire de plein d’autres selon les chansons.
Car s’il est une rare chose qu’on puisse reprocher à Sevdaliza, c’est peut-être un manque de style personnel sur le plan musical (l’artiste elle-même ne manque certainement pas de personnalité). Dans ce nouvel EP,System fait irrémédiablement penser au Teardrop de Massive Attack (le générique de Dr House), High alone n’est pas sans rappeler la dream pop des trop méconnus Daughter, Everything is everything utilise des recettes de la pop mainstream, se laissant aller à quelques vocalises autotunées sur fond de beats électroniques et montées de synthés, The great hope design est à l’inverse expérimental au possible, à l’image des productions les plus barrées de Björk, Human flow nous propose un genre de folk éthéré, le tout se clôturant par un remix épique et déjanté d’un titre issu de son second album Shabrang : l’entêtant Oh my god (ci-dessous dans sa version originale)
Abstraction faite de cette hétérogénéité, force est de constater que les titres sont toujours bien faits, le timbre est soyeux et la voix maîtrisée, les arrangements parfois audacieux (parfois moins) tout comme le sont les clips, nombreux et aux univers variés et très travaillés.
Finalement, c’est peut-être ça le style de Sevdaliza : être un peu tout et son contraire. Un riche et beau mélange au final.
Assumons d’emblée le fait que la motivation première de ce post soit de relayer un potin mondain datant du printemps dernier et qui m’avait échappé. On se doutait bien qu’Elon Musk, le patron de SpaceX et Tesla intronisé hier « homme le plus riche du monde » aux dépends du patron d’Amazon, était plus « fantasque » (pour reprendre l’euphémise généralement accolé à son nom dans les médias) que Jeff Bezos, Tim Cook et Bill Gates réunis. Voire que Vincent Bolloré tout seul, c’est dire.
Impression confirmée par l’identité de sa compagne actuelle, qui n’est autre que Claire Boucher, alias Grimes, autrice/compositrice/chanteuse canadienne pour le moins barrée (cf l’article qui lui était consacré dans ces pages), mais surtout par le prénom dont ils ont affublé leur bébé auquel elle a donné naissance en mai 2020 : « X Æ A-Xii ». Ca ne s’invente pas (enfin, si, apparemment), l’éthymologie de ce prénom étant la suivante :
X : l’inconnue dans les équations mathématiques
Æ : la traduction de « AI » (Intelligence Artificielle) mais aussi de « Amour » dans la langue des elfes
A-Xii : le prénom initial se terminait par A-12 mais il a été refusé, la loi californienne interdisant les chiffres dans les prénoms. Le 12 a donc été retranscrit en chiffres romains. Et sinon, pourquoi A-12? Parce que le Lockheed A-12 (ancêtre du mythique Lockheed SR71 Blackbird) est leur avion préféré. Ce qui peut amener à se demander si les parents de Meghan Markle n’avaient pas un faible pour les voitures françaises…
Pour en revenir à l’actualité musicale, Grimes a sorti cette semaine un album intitulé Miss anthropocene (rave edition) constitué de remixes orientés dancefloor de son précédent album lui-même intitulé, je vous le donne en mille : Miss anthropocene. Les remixes sont signés d’un certain nombre de pointures électro telles que Plastikman ou Modselektor, mais à moins d’être à Lieuron (charmante bourgade d’Ille et Vilaine : son église, son cluster) un soir de réveillon, on lui préférera l’original.
Sorti en pleine grossesse (pour la chanteuse) et en plein confinement (pour le reste du monde), on appréciera au passage la démarche de Grimes pour le titre You’ll miss me when I’m not around : le clip est tourné sur fond vert, selon la technique permettant d’incruster les images dans un décor virtuel… et diffusé tel quel, accompagnée d’un kit créatif contenant notamment les pistes séparées de la chanson afin de permettre aux internautes enfermés chez eux de s’occuper à fabriquer leur propre clip et leur propre mix de sa chanson. Belle idée d’une artiste elle-même adepte du Do It Yourself…
Je savais que je n’aurais pas dû : à l’occasion de la sortie de l’EP Be water de Prudence, j’ai commis l’imprudence (ah, ah) de réécouter le titre Offenses qui y figure, et comme il y a quelques mois lors de sa sortie en single, impossible ensuite de me le sortir de la tête pendant des jours. Il y a des chansons comme ça, qui s’emparent de vous (et pas forcément des autres) par surprise, sans qu’on sache exactement pourquoi.
Si vous ne connaissez peut-être pas Prudence, quelques titres seulement au compteur distillés depuis le début de l’année sans susciter d’émoi international, vous connaissez sans doute sa voix : celle de The Dø. Sous ce nom d’artiste se cache en effet le nouveau projet d’Olivia Merilahti, qui réapparait seule après six ans de silence discographique de son groupe.
La séparation du couple qu’elle formait à la ville avec son acolyte Dan Lévy pouvait laisser craindre la dislocation de leur projet musical commun, même si elle n’avait pas empêché leur troisième (et dernier à ce jour) album Shake Shook Shaken de voir le jour, et d’être récompensé aux Victoires de la musique. On se rassurait un peu en se disant qu’un autre duo, Dead Can Dance, avait fait l’essentiel de sa carrière après la séparation amoureuse de Lisa Gerrard et Brendan Perry (et en vivant à 20000 km l’un de l’autre) sans que cela n’affecte leur production musicale. Et ne parlons pas de Peter et Sloane, dont la carrière… non, n’en parlons pas.
Si The Dø n’est pas officiellement dissout, ce n’est visiblement pas à la préparation d’un nouvel album du groupe qu’a œuvré Olivia Merilahti ces dernier temps, volant désormais de ses propres ailes. L’écoute du premier single Never with U dévoilé au printemps laissait penser, à l’instar de l’inégale carrière solo de Lisa Gerrard, que le groupe valait plus que la somme de ses individualités. Pop électronique calibrée, assaisonnée d’un clip futuriste où elle apparaissait en super-héroïne d’un univers cyberpunk : certainement efficace, le titre manquait en revanche clairement du je-ne-sais-quoi qui faisait de The Dø le groupe de pop-rock français le plus intéressant depuis les Rita Mitsouko.
Entre temps est paru Offenses, dont le refrain est la première occasion d’entendre Olivia chanter en français. Si ses paroles aux accents mystiques (« J’abrège tes souffrances / pardonne moi mes offenses ») chantées dans un registre aigu rappelleraient presque Mylène Farmer, la formule voix féminine expressive posée sur une pop synthétique (plus dépouillée et mélancolique cette fois) évoque surtout l’excellent deuxième album Radiate de Jeanne Added, chanteuse dont le premier opus a été réalisé sous la houlette de… Dan Lévy, le monde est petit.
Tout en savourant le plaisir de retrouver le chant d’Olivia Merilahti (qui a gagné en maturité et en maîtrise) sur une chanson qui lui permet d’en exprimer la singularité, on attend de voir ce que le projet Prudence donnera sur la longueur d’un point de vue musical : plus dans le registre d’Offenses (illustrée d’un autre clip futuriste, ambiance Avatar cette fois), les deux autres titres de l’EP sont moins racoleurs et plus subtils que Never with U, mais le tout reste moins audacieux que ne le fut The Dø. Future will tell…
Anecdote personnelle : la découverte d’un bon album ne tient parfois pas à grand chose… lI y a 18 mois, sur une plage peu fréquentée d’une île grecque des Cyclades, un retraité américain engage la conversation. Improbable coïncidence, il a vécu à Rennes dans sa jeunesse, ville d’où ces pages sont écrites.
Au cours de cet échange il mentionne qu’un de ses fils vit à Boston et joue dans un groupe du nom de Darlingside.
Un an et demi plus tard, et probablement parce que j’avais tapé le nom dudit groupe à l’époque dans le moteur de recherche de Deezer (qui rime avec Big Brother), le site de streaming me signale la sortie de leur nouvel album… qui s’avère d’excellente facture.
La formule magique de Darlingside est la suivante : folk + harmonies vocales, ou quand Sufjan Stevens invite les Beach Boys en featuring.
Après l’annonce du changement prochain de locataire à la Maison Blanche (si tout va bien, car il résulte de FRAUDES ELECTORALES MASSIVES orchestrées depuis leur cercueil par des leaders COMMUNISTES ETRANGERS et de FAKE NEWS concernant l’existence d’un SOI-DISANT virus qui circulerait dans le pays), on se prend donc à penser qu’une BONNE NOUVELLE des Etats-Unis n’arrive jamais SEULE…
Et on remercie donc Darlingside de contribuer à MAKE AMERICA GREAT AGAIN sur le plan musical par la grâce de leur chansons enchanteresses, telle Ocean bed qu’ils interprètent ici dans le strict respect des gestes barrières…
…et qui est extraite de leur nouvel album Fish pond fish disponible entres autres sur Deezer ou Youtube.
Voilà une bonne nouvelle qui mérite un nouvel article dans ces pages après une longue pause… Une bonne nouvelle qui vient de loin: c’était il y a 16 ans, et après avoir vainement espéré pendant longtemps, j’avais fini par cesser d’y croire. De croire au fait que j’aurais l’occasion de réentendre Odin’s raven magic autrement que sur un bootleg au son approximatif.
Odin’s raven magic est une pièce orchestrale et vocale en 7 actes, fruit de la collaboration entre Sigur Rós, Hilmar Örn Hilmarsson et Steindór Andersen. Elle n’a été jouée qu’à quelques reprises : lors de sa création à Londres en 2002, puis à la Villette en 2004. J’y étais, et j’avais à l’époque pris bonne note que le concert faisait l’objet d’une captation en vue d’une hypothétique sortie en CD ou DVD. Puis plus rien… jusqu’à cette épidémie de Covid 19, qui cantonne les musiciens chez eux, privés de l’activité et des revenus des concerts. Faut-il y voir une coïncidence? C’est juste à ce moment-là que Sigur rós (ou son label?), en farfouillant dans ses cartons pour tuer le temps, tombe sur cet inédit et décide de le sortir: s’il fallait trouver un bénéfice à cette pandémie, en voici un…
Disons-le tout de suite, Odin’s raven Magic n’est pas un concert/album de Sigur Rós au sens classique du terme, puisqu’il fait la part belle à d’autres artistes. C’est donc une œuvre chorale… pour chorale, orchestre et groupe de post-rock. N’espérez pas trop vous y délecter de la voix de tête céleste de Jonsi : il n’y chante qu’avec parcimonie, laissant souvent les parties vocales solistes à la voix de baryton de Steindor Andersen. Il n’en reste pas moins qu’avec son orchestre, son chœur, son marimba géant à lames de pierre et son Sigur Rós (quand même), ce concert fut des plus mémorables et c’est donc avec joie que je peux enfin vous le faire vivre… en virtuel comme il se doit en cette période.
Trois des sept actes d’Odin’s raven magic sont disponibles en vidéo dans cette playlist. Le concert complet sort aujourd’hui en CD.
N’ayant rien sorti depuis plus de vingt ans, l’espoir s’amenuisait… Mais désormais, c’est sûr : sauf hautement improbable sortie posthume, nous n’entendrons plus jamais de nouveau titre de Mark Hollis. Et c’est infiniment triste.
Mark Hollis : ce nom ne vous dit peut-être pas grand chose, mais tout le monde connait (mal) sa musique. Mark Hollis, c’est la voix si caractéristique (et la silhouette aux oreilles décollées) de Talk Talk. Et Talk Talk, ce sont au moins deux tubes planétaires : It’s my life, et Such a shame.
Des tubes honorables qui ont traversé les décennies, à l’instar (voire mieux que) d’autres tubes de la même époque d’autres groupes également dissous depuis longtemps (le Smalltown boy de Bronski Beat, le Relax de Frankie Goes to Hollywood, le Shout de Tears for Fears, le Don’t go de Yazoo, etc.), mais qui sont loin de représenter l’essence du travail de ce musicien génial mais discret.
Car ce qui différencie Talk Talk des autres groupes de synth pop des années 80, c’est qu’il n’en était pas un, comme la suite plus méconnue de la discographie du groupe et de son leader le prouvera. Après l’énorme succès de ses premiers singles, le groupe a toute liberté. Et Mark Hollis ne se prive pas d’en profiter, s’éloignant progressivement des sentiers battus (et des charts) pour livrer une musique de plus en plus expérimentale et fascinante, au grand dam de sa maison de disque qui finira par le mettre à la porte.
Pourtant, ce sont bien les deux derniers des cinq albums du groupe, intitulés respectivement Spirit of Eden et Laughing stock et passés sous les radars des hit parades au moment de leur sortie, qui poseront sans en avoir l’air les fondements du post-rock et forgeront la légende de Talk Talk, faisant de Mark Hollis une figure influente et respectée par de nombreux artistes tels que Sigur Ros, James Blake, Radiohead ou Alain Bashung.
En effet, au fil du temps et des albums, Mark Hollis délaisse l’électronique des synthétiseurs et des boite à rythmes programmées pour aller vers une musique plus acoustique et spontanée, empruntant autant au jazz et à la musique contemporaine qu’à la pop ou au rock. Le groupe enregistre des heures d’improvisations qu’Hollis décortique, déconstruit puis réassemble. Une méthode de travail reprise à la fin des années 90 par Jason Swinscoe et son Cinematic Orchestra, dont le premier album Motion peut d’ailleurs s’inscrire dans une sorte de continuité de la discographie de Talk Talk.
Mais surtout, Mark Hollis dépouille sa musique, dans une épure qui trouvera son apogée avec l’unique album solo du chanteur, sorti en 1998 avant que le musicien ne se retire du monde de la musique pour se consacrer à sa famille. Un magnifique album contemplatif, fait de longues plages musicales sur certaines desquelles Mark Hollis pose sa voix au timbre unique et si expressif, et dont les arrangements parcimonieux donnent à chaque note le temps d’exister et d’être écoutée.
Hier, Mark Hollis a rejoint le silence qui habitait ses derniers morceaux, et on se dit que vraiment, it’s a shame.
Vingt cinq ans après leur formation puis la sortie de leur premier album I could live in hope et ses notes suspendues, Low continue de fasciner. En témoigne ce nouvel album, Double negative, où les inventeurs à leur corps défendant du « slowcore », sorte de rock minimaliste au tempo très lent, parviennent à se renouveler. Après avoir initié un style auquel ils se conformeront pendant une décennie, leur musique va peu à peu évoluer avec l’introduction d’instruments autres que le trio guitare/basse/batterie, et l’augmentation ponctuelle du tempo sur certains titres plus enjoués (toutes proportions gardées). Low marque une rupture stylistique plus franche en 2015 avec l’avant-dernier album Ones and sixes, qui voit l’utilisation plus massive de l’électronique dans la musique du groupe, même si celle-ci avait déjà fait quelques incursions dans leur discographie antérieure (Drums and guns – 2007). Ce nouvel opus Double negative est l’aboutissement réussi de cette mue, où la batterie acoustique a quasiment disparu et où guitare et basse se font discrètes, noyées dans les traitements électroniques.
Le groupe n’a jamais particulièrement cherché à faire des albums accrocheurs, et cette nouvelle livraison n’en est que la confirmation. A la manière de Portishead (en plus prolifique) qui a fait fi de la popularité pour livrer des disques de plus en plus hermétiques et sans concessions, Low va au bout de la route qu’il s’est tracée et produit un album extrême, mais extrêmement intéressant.
Si Ones and sixes était un également un album réussi mais plus immédiatement plaisant, Double negative en est le double obscur. Il fait écho à son prédécesseur, tel une ombre projetée distordue par les traitements infligés aux morceaux en post-production. On pense au Consumed de Plastikman ou au Loveless de My bloody Valentine pour le jusqu’au boutisme de la démarche, menant à des albums ardus dont la beauté aride ne se révèle pleinement que lorsqu’on prend le temps d’apprendre à en apprécier les richesses.
Bien que Double negative comporte des morceaux extrêmes à la limite du bruitisme tels que Quorum ou Tempest, on y trouve également des titres plus aériens comme Fly ou Always trying to work it out. Mises ensemble, ces chansons constituent une nouvelle pierre, diamant noir aux reflets parfois lumineux, qui vient couronner l’édifice déjà imposant que représente la discographie des mormons du Minnesota. A écouter et à réécouter…
On avait découvert Jeanne Added à l’occasion des Transmusicales 2014, où elle était en résidence à l’Aire Libre. Elle y donnait alors ses premiers concerts dans la foulée de la sortie de son premier album solo Be sensational. Malgré son expérience (34 ans l’époque, et une déjà longue expérience en tant que violoncelliste et chanteuse de jazz), on y avait vu une Jeanne Added un peu tendue par ces premiers pas sur scène en solo, sans que cela n’enlève quoi que ce soit à son talent.
Si on avait été bluffé par sa voix, qu’elle maîtrise remarquablement bien, on avait trouvé les titres de ce premier album un peu inégaux, malgré la présence de l’excellent Dan Lévy (moitié masculine de The Dø) à la production. Dans une veine synthétique sombre pouvant évoquer une sorte de coldwave réactualisée contrastant de manière intéressante avec la voix de la chanteuse, cet album souffrait de morceaux globalement un peu répétitifs (Lydia, Back to summer…) ou un peu bancals (Ready) qui ne nous avaient pas séduits. Be sensational avait néanmoins reçu un excellent accueil critique (et une nomination aux Victoires de la musique), et recélait également des chansons de très bonne facture (A war is coming, Night shame pride, également répétitifs… mais réussis, le très beau Look at them, ou encore Suddenly)
Qu’en est-il de ce nouvel album intitulé Radiate, qui sort aujourd’hui? Comme l’avaient laissé présager les premiers singles, Jeanne Added a effectué sa mue (« It’s unusual how I mutate » répète-t-elle d’ailleurs à l’envi dans Mutate) : elle a quitté le côté obscur et livre un album beaucoup plus lumineux. Aussi voire plus synthétique que le premier, mais dans un esprit totalement différent. La rage sombre qui transpirait parfois de Be sensational a laissé la place à une sorte d’apaisement qui irradie (« radiate » en anglais…) un album beaucoup cohérent et abouti que le premier.
Avec notamment une belle succession de titres dans la première moitié de l’album (Falling hearts, Radiate, Before the sun et Mutate), arrangements et mélodies ont beaucoup gagné en richesse depuis Be sensational, et la voix de Jeanne Added y est toujours aussi belle et expressive.
On a ici affaire à un excellent disque de pop électronique féminine, qu’on rangera donc aux côtés de ceux d’artistes tels que Austra, Lamb, Sylvan Esso, Emika ou encore Purity Ring, à cela près que Jeanne Added est probablement la meilleure chanteuse du lot, même si Lou Rhodes (de Lamb) et Katie Stelmanis (d’Austra), ont des timbres très personnels.
C’est donc avec un grand plaisir qu’on constate le long chemin parcouru par Jeanne Added depuis quatre ans, et on lui souhaite qu’il se prolonge le plus loin possible.
Info pour les Rennais : Jeanne Added sera en concert à Cesson-Sévigné le 29 novembre 2018
On l’avoue volontiers : on n’avait pas forcément partagé l’enthousiasme autour de Feu! Chatterton à leur apparition. Non pas qu’on trouvât qu’ils fussent mauvais, mais on était un peu agacé par le phrasé emphatique et grandiloquent du chanteur, qui contribuait à donner à l’ensemble un côté boursouflé et légèrement prétentieux, un peu comme un chroniqueur musical qui mettrait des imparfaits du subjonctif dans une critique d’album… Dans la veine « rock français avec des ambitions littéraires » de ces quelques groupes assez jeunes qui poursuivent le sillon creusé par Noir Désir, on leur préférait les moins tape-à-l’oeil Radio Elvis.
Ce deuxième album, L’oiseleur, nous fait réviser notre jugement. Certes le style vocal d’Arthur Teboul n’a pas complètement changé et fait de toute façon partie intégrante de la signature du groupe, mais peut-être a-t-on fini par s’y habituer. Et puis surtout, quelle progression! On ne peut que reconnaître la qualité des musiques, et notamment le soin porté aux arrangements qui confèrent à l’album un côté à la fois vintage et classieux, pouvant évoquer dans une certaine mesure les anglais de Tindersticks. Les textes ne sont pas en reste, même si certains ont été empruntés à des poètes célèbres. Même si le style et la voix diffèrent, on pourra aussi voir une filiation avec feu (!) Alain Bashung au regard du sentiment d’exigence dans l’écriture comme dans la production qui se dégage de cet album. Bref, Feu! Chatterton a parfaitement réussi sa montée en gamme, comme en témoignent des titres tels que Je ne te vois plus, Tes yeux verts ou encore Sari d’orcino.
Eh oui, tout arrive : deux fois du rap en huit jours sur ce blog, alors qu’il n’en a en gros jamais été question en 6 ans d’existence… et qui plus est, deux artistes récompensés aux Victoires de la musique, cérémonie plutôt mainstream qui a distingué par quatre fois Michel Sardou.
Toujours est-il que Tout va bien pour Orelsan, récompensé de trois Victoires, dont celle de « Meilleur album de musiques urbaines » pour son nouvel opus La fête est finie : la récompense est amplement méritée pour ce qu’on pourra qualifier, pour une fois sans rire, d’ « Album de la maturité ». Orelsan a 35 ans et a passé l’âge d’être un jeune con. C’est en substance l’état d’esprit de ce troisième album qui place la barre assez haut : une première partie enchaînant des titres forts, du San introductif,
interprété en live lors de la cérémonie, au grinçant Défaite de famille, en passant par les deux singles très différents que sont Basique (et son clip très réussi, également récompensé d’une Victoire) et Tout va bien, sur lequel Stromae est crédité pour la musique (ce qui s’entend) et dont on aurait presque cru reconnaître la patte sur le texte également, dans une veine « faisons semblant que tout va bien alors qu’en fait tout va mal » que l’auteur d’Alors on danse n’aurait probablement pas renié. Après une petite parenthèse rigolote (Bonne meuf), l’album se poursuit, un peu moins tambour battant, mais en restant de très bonne facture, pour s’achever en beauté sur un Notes pour trop tard, longue litanie de conseils d’un ex-ado en souffrance à un ado en souffrance, avec Ibeyi en featuring.
On notera au passage la qualité des musiques de son comparse Skread, qui aura probablement contribué à faire remporter à Orelsan la Victoire de l’Artiste masculin de l’année.
Une sorte de « J’aurais voulu être un artiste » version rap par Gaël Faye, musicien franco-rwandais (primé le weekend dernier aux Victoires de la musique) et par ailleurs écrivain (lauréat du Goncourt des lycéens il y a deux ans).
Ayant été récompensé de la Victoire « révélation scène », voici une version live de Qwerty à la Maroquinerie :
…la captation n’étant pas extraordinaire, la version studio de ce titre est écoutable ici:
La sortie d’un nouvel album sur le label Morr Music est généralement une bonne nouvelle. Si ce label berlinois, qui porte le nom de son fondateur Thomas Morr, n’héberge aucun artiste français contrairement à ce que le nom de certains pourrait laisser croire (« Pascal Pinon » est en réalité un duo islandais baptisé d’après le nom d’un phénomène de foire… mexicain, et « Benoit Pioulard » est le pseudonyme de l’américain Thomas Meluch), on y trouve par contre quelques artistes islandais de renom (Mùm, Soley…), ainsi que la crème de l’indie-pop allemande. La sortie du cinquième album studio de Lali Puna est ainsi l’occasion de parler d’une des nébuleuses musicales les plus fécondes outre-Rhin. Pour comprendre cette nébuleuse, rien de tel que quelques petits schémas à la sauce « théorie des ensembles ». Soient des éléments appelés « musiciens » appartenant à des ensembles musicaux appelés « groupes ». En règle générale, les groupes ont une intersection nulle. Exemple :
Autrement dit, ils n’ont aucun musicien en commun, même si en l’occurrence il eut peut-être fallu avoir des musiciens tout court pour en avoir en commun.
Dans le cas qui nous occupe, cette nébuleuse est constituée de groupes dont l’intersection est (à l’instar de leur musique) franchement pas nulle. Ils ont en effet la particularité de partager (ou d’avoir partagé) un ou plusieurs membres :
Parmi ces groupes, Lali Puna est la dernière entité à avoir sorti un album. Porté à l’origine par les deux co-compositeurs Valerie Trebeljahr (à la voix et aux claviers) et Markus Acher (guitare, basse, claviers), le groupe entérine avec Two windows le départ de ce dernier, absent de ce nouvel album. L’impact de la défection de son guitariste sur le style de Lali Puna reste néanmoins assez minime : si la musique de Two windows est très centrée sur l’électronique, la guitare était déjà assez notoirement absente de l’album précédent Our inventions. Qu’en est-il des compositions, désormais dévolues à la seule Valerie Trebeljahr ? Celle-ci s’en sort plutôt bien, à l’instar de chansons telles que Deep dream.
Et si l’album n’apporte pas forcément grand chose de nouveau par rapport à ses prédécesseurs, il est également loin de faire tache dans la discographie du groupe, même si on lui préférera probablement Faking the books.
Quant aux autres groupes de cette nébuleuse, ne manquez pas d’écouter les trop rares Ms John Soda (3 albums en 15 ans), qui donnent dans l’indie pop à guitare mâtinée d’un peu d’électronique :
…et dont la musique, malgré le fait que les deux groupes n’aient aucun membre en commun, n’est pas sans rappeler le style d’anciens titres de Lali Puna tels que celui-ci:
On appréciera également l’electronica plus ou moins contemplative de Martin Gretschmann, la tête pensante de Console :
Enfin, nous terminerons ce tour d’horizon avec la charnière centrale de cette nébuleuse musicale : The Notwist, groupe qui débuta dans la mouvance punk/métal avant de changer radicalement de style, et qui nous gratifie désormais d’une pop attachante teintée d’embardées plus expérimentales. Voici donc un extrait de leur dernier album Superheroes, Ghostvillains + Stuff datant de 2016 :
…et un autre d’un de leurs albums les plus emblématiques : Neon golden, paru en 2002, et qui fit notamment l’objet d’un concert 13 ans après sa sortie lors de l’édition 2015 de la Route du Rock (l’album y fut joué intégralement et dans l’ordre).
Il est des artistes précieux dont on se réjouit d’avoir des nouvelles, lorsqu’après quelques années de silence parait enfin un nouvel album. Camille est de celles-là.
Son nouvel opus, le cinquième d’une carrière démarrée il y a maintenant 15 ans, s’intitule « Ouï » et ne déçoit pas. Presque entièrement réalisé à quatre mains (ou plutôt à une voix et deux mains…) par la chanteuse et son compagnon, l’album renoue avec les arrangements essentiellement basés sur la voix et les percussions qu’elle avait un peu délaissés sur « Ilo Veyou » au profit d’instruments à cordes pincées (guitare, contrebasse…)
Souvent considérée comme une sorte de Björk française pour sa capacité à innover, Camille suscite le même genre d’attente que la diva islandaise : qu’elle se réinvente à chaque nouvel album. Si « Ouï » n’est plus aussi révolutionnaire qu’a pu l’être « Le fil » en son temps (mais fut-il sorti avant « Le fil » qu’il l’aurait été tout autant), Camille creuse néanmoins son sillon tout en apportant une certaine nouveauté à travers un travail sur les sonorités des mots, entrelaçant les phrases et jouant avec les homophonies. L’électronique y fait également une entrée discrète.
L’album ne souffre quasiment d’aucun temps faible, et nombre de titres sont redoutablement réussis, trouvant le parfait équilibre entre efficacité et émotion à fleur de peau, le tout en explorant différents styles : du titre typiquement « Camillien » (« Sous le sable »), à de la chanson plus pop interprétée en anglais (le single « Seeds ») en passant par la musique traditionnelle (« Les loups », « Twix »).
Nous ne sommes qu’à la mi-2017, mais la barre est désormais placée très haut pour disputer à « Ouï » la place de meilleur album de chanson française de l’année : le seul reproche qu’on puisse finalement faire à ce disque est sa brièveté, les 11 morceaux ne s’étalant que sur 32 petites minutes. Mais peut-être valait-il mieux s’en tenir à cela que d’inclure des titres plus faibles à la seule fin de respecter les standards de durée d’un album : on n’en voudra donc pas à Camille d’avoir privilégié la qualité à la quantité.
Il arrive parfois que les algorithmes des services de streaming du style « Si vous aimez Machin, vous aimerez Truc » produisent des résultats pertinents et permettent de découvrir un Truc qu’on ne connaissait pas et qui se révèle égaler ce que fait Machin. C’est ainsi qu’à l’écoute d’on ne sait plus trop qui que l’on aimait bien (Apparat? Saycet? Kiasmos?) on s’était vu proposer le nom de Fragments, groupe qui mêle avec talent electronica mélancolique et post-rock. La musique du trio, instrumentale, évoque donc celle des sus-nommés, mâtinée d’une touche de Mogwai ou de Sigur Ros.
Pour preuve, ce titre: Echoes, qui après chaque écoute de leur premier album Imaginary seas, nous hante un bon moment.
Fragments sera en concert à Rennes, ville de naissance du groupe, le samedi 29 avril au 1988 Live Club.
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